L’HORIZON DES ÉVÈNEMENTS (écrit pour l’exposition l’horizon des évènements)
PAR CÉCILE BICLER 2024

« Tu veux des images de jours meilleurs ; Je te les charge. » p 204 Microserfs Douglas Coupland

J'ai choisi de dessiner, image par image, un moment clé du film Freddy les griffes de la nuit, celui où l'héroïne, s'endort en classe pour se réveiller l'instant d'après dans un au-delà cauchemardesque. La séquence finit avec le regard frontal de Nancy qui nous regarde mais qui regarde aussi, en contre champ son amie revenue du monde des morts qui l'invite à la rejoindre.
Nancy défie ce monde inversé en regardant de ces yeux endormis puis ébahis ce qu'il lui fait terreur. Elle se lève et marche, enjambant la frontière, dépassant sciemment l'horizon des évènements.
L'horizon des évènements désigne cette frontière au delà de laquelle rien, pas même la lumière, ne peut échapper à l'attraction gravitationnelle d'un trou noir.
Cet horizon est une mort, un point de non retour, l'irréversibilité même. On peut choisir de ne pas voir arriver cette vague scélérate qui fonce droit sur nous. On peut aussi l'affronter, ce qui, en réalité, est la seule façon de la passer.
J'ai voulu fragmenter un laps de temps aussi anecdotique que primordial avec cette ligne de dessins, devenue dans l'espace d'exposition une ligne d'horizon.
L'horizon des évènements, c'est le temps qui passe, c'est la fuite en avant irréversible, malgré la mort, malgré la fin de tout, ou devrais je dire grâce à la fin de tout.
Voir le temps pour ce qu'il est, c'est à dire une espace, une surface, nous offre la possibilité de le contempler, de l'appréhender. Notre propre fin est en nous, c'est notre trou noir qui nous consomme, jour après jour, minute après minute, seconde après seconde, et c'est exactement ce qu'il nous faut, car sinon nous serions sans limites, dispersés, abstraits.
J'ai voulu limiter un temps donné en lui donnant un visage, des yeux.
Je vois l'exposition comme un film, avec sa trame, son montage. Ici, à Fecit, la ligne d'horizon fait le tour de l'espace. C'est la time-line du film, avec un début, un milieu et une fin.
Il y a d'abord les yeux fermés de Nancy qui s'ouvrent une première fois et qui passent au dessus d'une stèle. C'est une pièce ancienne qui est une combinaison de divers éléments de mon passé, en train d'être enterrés (repeint avec le grand pot de peinture blanche de Fecit) mais qui laisse entrevoir un futur possible. On peut lire en transparence «  combiner la mémoire et se filer un futur à notre mesure ». Pour aller de l'avant, il faut enterrer certaines choses mais l'enterrement ne signifie pas l'effacement, bien au contraire.
La ligne d'horizon peut continuer son chemin et arriver au grand mur du fond où deux dessins géants se font face. Il s'agit de La noyée, imprimée sur papier calque qui se fait face à elle même. Ces deux facettes d'un même regard se défient l'un l'autre et commencent à se fondre en leur centre. C'est le frottement du temps présent, qui n'est autre que la friction constante entre le passé et l'avenir, deux entités jumelles qui diffèrent pourtant. Elles sont en miroir mais pas symétriques, l'une pleure, l'autre cache en son sein un Alien. La Noyée est une morte (vivante) qui flotte et fait office d'ange annonciateur avec ses yeux grands ouvert. Il y a une contradiction de s'annoncer soi même, de se regarder soi même, de se défier soi même. C'est une introspection, passage obligé, pour déjouer ses propres empêchements, ses propres peurs. Sous ce diptyque de reproductions dissemblables d'une même pièce à l'origine (La noyée), on trouve la fissure, figure centrale de cette exposition.
La fissure est aussi ce fameux trou noir invisible qui sépare deux vies, deux êtres qui s'aiment mais qui n'ont d'autre choix que de se quitter pour avoir la possibilité de continuer, de se retrouver (d'abord soi même).
Seule une petite herbe verte fait le lien entre le vêtement de l'un et le sweat rose fluo de l'autre.

QUESTION DE VIE - DESSINER LE TEMPS (écrit pour l’exposition Question de vie)
PAR CÉCILE BICLER 2023

Il y a des moments dans une vie, une infinité.
Certains de ces moments sont plus importants, plus primordiaux. On dit que le temps est précieux et parfois, il faut savoir le prendre.
Il s'agit, dans ce projet, d'étirer un de ces moments, de ceux qui peuvent faire basculer la vie même, de ceux qui responsabilisent, qui humanisent, ou pas.
Ces secondes capitales sont des hoquets du temps qui permettent d'en effleurer son défilement, d'en prendre conscience et pourquoi pas, de saisir, comme une folle opportunité que cet instant peut se muer en une intervalle rare de pure concentration, qui peut offrir le bon choix à faire, celui qui sauve, un arrêt du temps, une pause, un arrêt sur image.
Il peut y avoir de cela dans les attentats ou dans les drames, avec une attention exacerbée par le présent. Après coup, la mémoire se souvient de détails incroyables, comme si, au moment des faits, il fallait qu'elle enregistre tout, parce que c'était une question de vie ou de mort, et en effet, ça l'était.

La série que je propose est une tentative de saisir un de ces instants.
Je veux rendre hommage à ce sursaut d'éveil que permet la peur, l'attention à l'autre, au plus faible, qui n'affaiblit pas, bien au contraire.
C'est la scène dans Shining où Danny revient de la chambre 237 dans un état tétanique suite à une agression. Le père vient de faire un cauchemar et Wendy (la mère) était en train de consoler ce dernier juste avant l'arrivée de l'enfant. Elle commence par lui dire d'aller jouer dans sa chambre mais comme Danny ne répond pas, elle décide de venir à sa rencontre puis de se mettre à sa hauteur pour entrer en communication, en contact visuel avec lui. Elle se rend compte de sa catalepsie et prend alors la décision juste de se baisser physiquement pour se mettre à son niveau pour entrer en empathie avec lui, par les yeux, par le contact, par l'amour. C'est le début des hostilités avec le père. Elle a choisi son camp.
J'ai pris le temps de dessiner ce moment clé en en faisant une série qui se déplie telle une pellicule, quelques arrêts sur image qui prennent vie par le dessin, par ce traitement spécial de la fragmentation dans ma pratique du dessin puzzle et aussi par la vivacité des couleurs, pour enflammer la répétition et signifier qu'au sein de chaque micro-seconde de ces moments, tout se joue. Si j'extrapole, je dirais qu'à chaque instant, qu'à chaque image de notre vie, on peut se perdre ou se retrouver.
Mon idée folle est d'aplatir le temps, de le remettre en deux dimensions, parce que je crois que le temps est fondamentalement fait de deux dimensions, du moins, si on le revisite.
Depuis que je suis adolescente, je suis fascinée par un lieu qui n'existe pas mais qui existe quand même, dans un livre d'abord puis dans un film et puis dans ma tête et aussi dans la tête de beaucoup de gens. C'est un lieu culte.
L'Overlook, l’hôtel de Shining.
L'Overlook, le regard étendu, à 360 degré, la SUPERVUE.
Mon projet est une question de temps, mais c'est aussi une question de lieu. C'est attaché.
Une maison est hantée, parce que le temps s'y colle. Un lieu qu'on aime à revisiter comme une maison de famille, de celles qu'on aime à retrouver à intervalles réguliers de sa vie, malgré les mauvaises choses qu'on a pu y vivre mais surtout pour les bonnes choses, fondamentalement pour tout ça ensemble, pour croire à sa propre vie, son éternité. On sait pourtant qu’une maison tombe en ruine, qu'un lieu se désagrège, voué à disparaître. Une partie de nous veut être ce fantôme qui ne quitte jamais ce lieu.
Moi je n'ai pas de maison de famille, de celles que l'on hante, et c'est pour cela que je m’approprie si facilement celles des autres, bonnes ou mauvaises.
Le fait que L'Overlook soit un palace n'est pas anodin. Il y a l'idée d'un luxe inaccessible que l'on ne peut atteindre que par la réappropriation, par le hantage. Comme d'autres lecteurs ou spectateurs, j'ai fait mien un lieu de fiction et j'y ai soumis mon propre imaginaire.
L'imaginaire se nourrie du réel et inversement, c'est une circulation.
Je veux cette série comme un hommage à cette soumission.
Je m'explique.
Faire sien un lieu mythique, connu et donc partagé en masse signale un désir de faire partie de cette masse. Accepter de plonger de son plein gré dans la fascination crée un paradoxe : personnaliser le collectif, redessiner la culture populaire pour lui redonner son sens noble (abolir les hiérarchies au nom du peuple) et non marchand. Stephen King l'auteur de Shining, écrivain engagé politiquement, a une vision humaniste des choses et pense que l'apprentissage de la lecture est bien, comme il l'a écrit, une « question de vie ou de mort », de personnalisation, de créativité par l'attention portée au cas par cas, au cas qui devient groupe, plus fort ensembles.
En dessinant les trois personnages dans le décor, j’ai eu l'impression de redonner vie, et à l’hôtel et aux personnages.
Toute mon attention a été nécessaire pour faire de ma fascination une création.
J'ai eu l'impression de toucher le visage de cet enfant et de cette maman et de les sauver un peu (à moins que ce ne soit l'inverse?!) de la prédation de ce père que j'ai laissé se faire avaler par le flou du décor, l’hôtel malveillant mangeur d'âme, devenant sa prison, symbole de sa lâcheté.
C'est son absence d'empathie et son manque d'attention qui va le tuer, au final.
Pour survivre au mal, il faut être attentif et se créer des ZAD (Zone Autonome Temporaire) de chaque seconde, de chaque instant. C'est ce que fait la mère avec son enfant. Il s'agit bien de mettre en commun ses forces.

« Wendy le prit dans ses bras, et Danny se laissa étreindre sans réagir. » 
Shining, p 303, Stephen King.

Par le geste de se baisser et de toucher l'autre, de l'envelopper, elle lui dit je te crois.
Par ce geste, elle trouve l'énergie du combat à venir. En acceptant de donner TOUTE son attention au plus faible qu'elle, elle va créer un circuit autonome d'énergie qui va circuler, d'elle en lui, de lui en elle, pour devenir plus fort qu'une simple addition, pour devenir une force en puissance, exponentielle.
Le fameux JE TE CROIS est une ZAD, une action, un acte politique d'inclusion, qui lutte contre le pire but des psychopathes de tous bords (y compris la psychopathie capitaliste) qui est de rendre atone l'autre, de lui enlever sa voix pour mieux éparpiller son être et enfin le rendre distendu, disloqué en « little pieces », pour In fine, l'anéantir, le faire disparaître.

« Non, l'Overlook ne lui faisait pas peur. Au contraire, l'hôtel lui était sympathique et il avait l'impression que la réciproque était vraie aussi. » 
Shining, p 330, Stephen King

« L'homme plein d'assurance est un être humain mort. »
Se libérer du connu, p 23, Krishnamurti.

« L'attention même que l'on accorde à un problème est l'énergie qui le résout. »
Se libérer du connu, p 93, Krishnamurti.

DANS L’ESPACE PERSONNE NE VOUS ENTEND HURLER
PAR GABRIELA ANCO 2020

Cécile Bicler est une personne indomptée. Sans peur, elle parle de l’Amour comme d’un Absolu, de l’Amour comme d’une Histoire. Le seul, l’unique, le rêvé, et qui pourtant se multiplie, malgré soi, dans la totalité du spectre des émotions qu’il produit : de l’engagement inconditionnel au désespoir. Cinéaste cinéphile confirmée, amatrice de cinéma de genre, de films d’horreur surtout, mais aussi d’histoires décadentes et romantiques, l’artiste traque les monstres dans des coins insoupçonnés. 

«Dans l’espace personne ne vous entend hurler» est une exposition sur le désespoir, la frustration, l’ennui, la peur, la douleur, le découragement et l’amour, l’espoir, le désir, la débauche et l’intimité. Un mur entier est recouvert de ce que l’artiste appelle des dessins-puzzles, qui, brisant la composition première, se redistribuent, pour ainsi créer de nouvelles valeurs. Tout comme les humains, les dessins de Bicler se séparent et se remettent ensemble avec d’autres, dans un cycle dicté par la main de l’artiste ou par le simple hasard de la technique.
L’artiste décortique ses dessins pour créer de nouvelles connexions entre des scènes fondamentalement différentes.
Les inspirations sont diverses : instantanés de films d’horreur, publicités trouvées dans des magazines, photographies de la vie privée de l’artiste, ses amants, ses histoires. Pour Bicler, la photographie capture l’instant – la vie. Ainsi une photo représente un moment du passé préservé dans son intégralité. L’acte de dessiner, en copiant carré par carré la surface complète de l’image photographique, recrée cet instant. On remonte le temps et on revit la vie, l’amour. C’est thérapeutique. Indépendamment du fait que les moments initiaux puissent appartenir directement à l’artiste – son passé, ou indirectement – empruntés, c’est par le biais de l’entrelacement des dessins fabriqués que l’artiste se réapproprie tout le passé, créant un tissage complexe de réalités, de rêves et de cauchemars. Le résultat final, le dessin, existe ainsi dans un troisième temps, une dimension parallèle et unique, propre à la création. Sans véhiculer un sentiment nostalgique, il représente plutôt une revitalisation saine d’un sentiment perdu. 

L’ensemble du travail de Cécile Bicler a pour but de démontrer que la valeur de la réalité visible peut et doit être remise en question. La linéarité de la pensée humaine ne correspond pas au potentiel de l’esprit. Pourquoi vivre dans un seul espace si l’imagination, la mémoire, l’identification aux réalités fabriquées permettent d’exister en plusieurs endroits à la fois ? Ainsi, par allusion à l’anglais, on peut dire des dessins de l’artiste qu’ils sont raw et RAW. Raw dans le sens de la crudité du message, et de la base rudimentaire de notre perception instinctive, et RAW, se référant à l’un des formats de fichier d’image les plus performants en matière de stockage des données numériques, ils relayent en effet une immense quantité d’émotions, de souvenirs et de perceptions intacts. De surcroît, le puzzle ne s’arrête pas à la perspective bidimensionnelle du mur. Bicler se déplace à l’exté-rieur du mur, en utilisant d’autres structures comme supports pour d’autres œuvres. Cette création de murs supplémentaires devant les murs apporte une nouvelle profondeur à la composition originale. En fonction de la position du spectateur, l’accrochage est capable de déformer la face, la direction et donc le message de la disposition du mur en arrière plan. Lié à la diversité des processus de travail de l’artiste, le jeu avec le message rejoint une manipulation habile et consciente de l’expérience visuelle, de la perception et de la compréhension du spectateur à travers la visite de l’exposition. Parallèlement au dessin, Cécile travaille également la création filmique, les ciné-collages et la performance. Elle tord, et joue avec les impressions et l’interprétation du spectateur, en développant soigneusement les personnages de ses films ou de ses performances. De manière remarquablement habile, l’artiste manipule l’histoire en faisant en sorte que le spectateur s’identifie avec et rejette un personnage simultanément. Rien n’est jamais ce qu’il paraît. 

Néanmoins, le message sous-jacent reste l’authenticité. Dans un monde de valeurs schizophrènes et hypocrites, le travail de Cécile Bicler insuffle une bouffée d’air frais – sans théâtre, sans faux semblant, sans aucune altération – uniquement par le biais de sentiments vrais et entiers. Lâchant des bombes de pure honnêteté, tout en état de pleine sensibilité et vulnérabilité, l’artiste apparaît parfois un peu folle, ou comme elle le dit – folle amoureuse. 

IN SPACE NO ONE CAN HEAR YOU SCREAM

«But this is life. This isn’t a movie.» — Sidney Prescott, Scream 

Cécile Bicler is an unbroken person. Fearlessly, she speaks of Loveas the Absolute, of Love as a Story. The one and only Love, unique and dreamt of, but which escapes control and flourishes to the entire spectrum of emotions: from unconditional commitment to despair. 
A fine enthusiast of genre film, mostly horror, but also of decadent love stories and romance, Bicler searches for the monsters within the unexpected places. 

“Dans l’espace personne ne vous entend hurler” is an exhibition about despair, frustration, boredom, fear, pain, discouragement …. and Love, hope, desire, lust and intimacy. 
One entire wall is covered in puzzled drawings which shatter up an initial composition in order to be redistributed and thus recreate new values. Just like humans, Bicler’s drawings break up and join others in a cycle dictated by the hand of artist or by the mere chance of the technique. Cécile Bicler dissects her drawings, intending to create new connections amongst fundamentally different scenes. The inspirations are various: horror film stills, ads found in magazines, photographs of the artist’s private life, her lovers, her stories. To the artist, photography captures life, thus a photograph represents a moment from the past, well preserved in the entirety of its essence. The act of drawing, by copying square by square the complete surface of the photographic image, recreates the moment. It is like going back in time and reliving life. Reliving Love. It’s therapeutical. Regardless whether the initial moments belonged to the artist directly – her past, or indirectly – borrowed, it is through the act of intertwining the fabricated drawings that the artist reappropriates all past, creating a complex weave of reality, dreams and nightmares. The final result, the drawing, is thus a dimension in time of its own, it is neither the past, nor the present, though it is parallel to both. Carrying no nostalgic feelings, it rather represents a sane revitalization of a lost feeling. 

The ensemble of Bicler’s work intends to make it clear that the value of reality as we see it can and should be questioned. The linearity of the human thought does not correspond with the potential of the human mind. Why live only within one space if the imagination, the memory, the identification with created realities permits existing in multiple places at the same time? 
Cecile’s drawings are raw and RAW. Raw in the sense of the crudity of the message, and rudimentary base of our instinctual perception, and RAW, referring to one of the highest bearing digital data format, for they carry an immense amount of unaltered emotions, applied memories, sense. And the puzzle doesn’t stop at the two dimensional perspective of the wall, Bicler moves outside of the wall, by using further structures as supports to other works. This creation of additional walls in front of walls is creating in reality a new depth to the original mural. Depending on the position of the viewer, it will distort the face and thus the message of the mural. Playing with the message, as if creating a plot out of the viewer’s understanding and experience of the exhibition, is surely related to Bicler’s own diversity within her working processes. Complementing the medium of drawing, Cécile is also working with cinematography, cine-collages, and performance. She twists and plays with the perception and interpretation of the viewer, by carefully developing the characters of her films or her performances. A remarkably skillful storyteller, the artist will make the viewer simultaneously identify with and reject the character of the plot. Nothing is ever what it seems. 

Nevertheless the underlying message remains authenticity. In a world of schizophrenic and hypocritical values, Cecile Bicler’s work blows out a breath of fresh air – no act, no pretense, no alteration – only whole and true feelings. Dropping bombs of pure honesty, yet in full state of sensitivity and vulnerability, the artist appears at times somewhat crazy, or as she puts is – crazy in Love.